Mientras para muchos el comienzo del nuevo curso es inminente, otros ya hemos asistido a nuestro primer día de clase con un claro propósito: hacer de este curso algo distinto.

Un nuevo curso lleva consigo muchos compromisos asociados (papeleos, programaciones, eventos…) que hacen que nuestra lista de cosas por hacer crezca considerablemente. Pero aunque cambien los alumnos, parece que siempre es más de lo mismo.

Para evitar esa sensación de seguir haciendo lo mismo año tras año, con cada comienzo de curso me propongo un reto que cambie mi forma de enseñar a mejor o que haga avanzar mi carrera musical.

El año pasado me propuse integrar las nuevas tecnologías en mis clases de flauta y esa idea hizo que me puedas leer hoy. Creé este blog para mis alumnos, pero tras miles de visitas diarias y varios artículos virales, mis deseos de compartir con vosotros aumentan cada día y hacen que dentro de poco podamos celebrar mi primer cumpleaños bloguero (el 16 de Septiembre) con muchas novedades.

Este curso, mi reto está enfocado en conseguir que las clases sean mucho más divertidas y creativas y que cada alumno salga con ganas de más. Para ello, he recopilado e inventado juegos que podréis utilizar en vuestras clases, como hago yo en las mías y que darán lugar a una nueva sección en el blog que pronto disfrutaréis.

Ahora que conoces cómo he hecho diferentes mis clases el curso pasado y cómo pretendo mejorar este año, es tu turno: te reto a pensar y contestar en un comentario las siguientes preguntas

La mayoría de nosotros nos pasamos años mejorando nuestra técnica instrumental y musicalidad, o dando clases para que nuestros alumnos la mejoren, pero no nos paramos a pensar en qué podemos hacer para dar un paso más allá y hacer algo diferente. Así, dentro de doce meses,sólo tendremos más técnica y menos tiempo.

Artículo Realizado por: Elena Muerza (Flautista y Pedagóga)

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La entrada Te reto a tener un curso diferente se publicó primero en Adolphesax.

El primer día de estudio tras las vacaciones suele ser un suplicio, al menos el mío lo es. Todo el progreso que habías hecho durante el curso parece haberse esfumado, aparecen dolores (por mucho que estires antes de tocar) y encima la mente no ayuda con sus pensamientos negativos y preocupaciones por saber cuánto tardarás en tocar como antes. ¿Te suena de lo que hablo?

Personalmente, soy de las que recomiendan, después del gran esfuerzo y trabajo del curso, tomarse unos días de descanso lejos de la flauta. Puede ser una semana, 10 días o quizás el viaje que tengas programado dure 2 semanas: no pasa nada, siempre y cuando esos días de desconexión te sirvan para recargar las pilas y volver dispuesto a retomar tu instrumento con más ganas que nunca.

En el artículo de hoy te quiero contar precisamente eso: cómo ponerse en forma (musicalmente hablando) después de un merecido descanso y empezar el nuevo curso de la mejor manera posible.

Seguro que tú tienes tu propia manera volver a estar al 100%, pero esto es lo que yo hago para quitarle las telarañas a mi flauta con éxito.

FIJA OBJETIVOS

Ya os hablé de este tema en mi artículo ¿Por qué ya no tengo ganas de tocar? (puedes leerlo aquí) y puede parecer que estoy obsesionada con el tema, pero es que ¡realmente funciona!

Es difícil llegar llegar a un sitio si no conoces el camino, al igual que es difícil mejorar si no sabes qué estás haciendo o intentado conseguir. Está muy bien que escuches a tu profesor y sigas sus indicaciones, pero dado que todavía tienes unos días lejos de las clases, prueba a ser tú el que se marque los objetivos y la manera de conseguirlos.

Seguro que hay algún aspecto en tu forma de tocar que tu gustaría mejorar. Fíjate unos cuantos objetivos por escrito y…

MARCA UNA FECHA LÍMITE

marcar fechas límitesPuede ser para tu primera clase o puede ser para un concierto importante que tengas dentro de 3 meses, tus objetivos irán encaminados a estar preparado para el día D.

¿Qué ocurre si no tengo ninguna clase, prueba o concierto a la vista? ¡Siempre es un buen momento para mejorar eso que no nos convence en nuestra manera de tocar!

Para organizar tareas, objetivos o fechas importantes existen varias aplicaciones, aunque a mi la que más me gusta es Planner Plus. Si eres más de lápiz y papel, una agenda será tu mejor aliada para mantener tu estudio organizado durante todo el curso y estar preparado para esas actuaciones clave. Ya sea de la forma tradicional o más moderna, la parte visual de tenerlo por escrito te ayudará a motivarte.

NO TE AGOBIES

Ponerse a rellenar huecos en el calendario, de aquí a Julio 2016 puede ser abrumador, pero piensa que ¡tienes un año

 para conseguir todos esos objetivos! No es necesario que empieces a trabajar cada uno de ellos hoy mismo, céntrate en objetivos a corto plazo que te ayudarán a conseguir aquellos que has marcado para dentro de varios meses. De esta forma tendrás una idea de cómo organizar el trabajo de estos próximos días.

Para mantener a raya nuestra cabeza y eliminar todos esos pensamientos negativos que te puedan surgir, no olvides el principio “trabaja con lo que tienes hoy”. Si hoy suena como un gato, relájate y disfruta, puede que mañana suene mejor… ¡o no!

Fijarse unos objetivos reales y alcanzables, seguir un calendario de “logros”, buscar aquello que le falta a nuestra forma de tocar y plasmarlo todo esto por escrito son lo mejor que conozco para ponerse musicalmente en forma y sin tener que sacar tu instrumento de su estuche. Cada uno se prepara de manera diferente, pero está claro que la organización y seguir una planificación son fundamentales para conseguir que este próximo curso sea ¡un éxito total!

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La entrada Claves para ponerse musicalmente en forma tras las vacaciones se publicó primero en Adolphesax.

Pensaba, cuando me preguntaban hace unos meses, que este verano iba a ser de lo más tranquilito: por fin tocaba descansar después de un año muy duro. Pero… ¡no podía estar más equivocada!

Siempre he sido de las que se apuntan a un bombardeo y aunque cada vez que lo hago hay algo en mi que me dice “quién te mandaría meterte en este berenjenal”, lo cierto es que todavía no me he arrepentido de haber dicho que sí a nada y disfruto como una enana en cada proyecto que me embarco pensando en qué es lo que necesitáis (o necesitamos) los músicos del Siglo XXI.

Es cierto que he estado más de lo debido sin escribir y no ha sido porque no tenga nada que contaros. Más bien al contrario: tengo varios proyectos musicales/pedagógicos entre manos y estoy segura de que os van a encantar.

II ENCUENTRO DE MÚSICA Y SOCIAL MEDIA

A principios de Julio tuvo lugar en Pamplona el II Encuentro de Música y Social Media organizado dentro de las actividades de SarasateLive! Era la ocasión perfecta para aprender de la mano de grandes ponentes cómo utilizar internet y las redes sociales para difundir la música clásica y la cultura.

¡No os podéis imaginar la cantidad de cosas que aprendí en sólo 2 días!

Nos hablaron de la importancia del Networking para nosotros los músicos y cómo darle un enfoque profesionalsa las Redes Sociales que nos ayude en nuestra carrera, descubrimos qué es eso del Plan de Social Media y de qué manera puede ayudar a nuestra marca y también conocimos el caso de éxito de un músico de primer nivel que dejó todo para ser Videoblogger.

Aquí puedes ver los ponentes y las conferencias de las que pudimos disfrutar esos días:

– Antonio Domingo – Networking y el mundo online y la cultura.
– Alfredo Vela – La importancia de las Redes Sociales para un músico.
– Diego Pons – De músico y Luthier a videobloggler en el Social Media.
– María Redondo – Puntos clave en un plan de social media para tu marca.
– David Peralta – La Cultura Social.
– Christian Delgado von Eitzen – Músicos, emociones, redes y contenidos.

Participamos, además, como público activo en el Concierto de Clausura de la Academia Sarasate y en la Final del Concurso de Violín Sarasate. No sólo no nos pidieron que apagáramos los móviles sino que nos animaron a usarlos durante toda la actuación. ¡Hasta teníamos asientos para Twitteros!

Fue una experiencia muy enriquecedora a nivel personal y musical… ¡y sin tener que tocar ningún instrumento!

CURSO DE FLAUTA “ANENTOFLAUTA”

Trabajar en el Curso de “Anentoflauta” ha sido una de esas oportunidades que surgen y, sin pensarlo dos veces, tienes que aceptar. Todavía no entiendo por qué nunca asistí a un curso tan bueno cuando era alumna, pero el haberlo experimentado desde otro punto de vista, me ha permitido aprender cómo organizar, gestionar y enseñar en un ambiente flautístico 100% positivo y aprovechable al máximo. Muchos flautistas juntos conviviendo durante varios días y ni un comentario negativo hacia los compañeros, en un ambiente de colaboración y no de competitividad.

Tras una audición inicial, los alumnos fueron repartidos en varios grupos, teniendo cada uno de ellos un horario diferente y disfrutando diariamente de las enseñanzas de grandes maestros de la flauta en España.

Porque “Anentoflauta” es un curso diferente: no tienes X clases con tu profesor en esa semana y el resto es tiempo libre. Aquí tienes actividades desde las 10h hasta las 20h30 (con pausas por supuesto) y cada una de ellas diferente: clases individuales, clases colectivas, talleres, masterclass, orquesta de flautas, exposiciones, conferencias…

Mosaico Anentoflauta

Puedes pensar: menuda saturación, ¿no? Pues más bien al contrario, esa semana en Chera (Valencia) nos sirve a muchos como un plus de motivación para afrontar con ganas las sesiones de estudio, la preparación de pruebas o simplemente para animarse a sacar la flauta durante los días de verano.

Así que si ya estás pensando en tu próximo curso de verano, esta opción seguro que te encantará. Además, ¡coincidiremos allí!

MEGAPROYECTO

Estoy tan ilusionada con el proyecto en el que he comenzado a trabajar que creo que se merece el nombre de Megaproyecto. No os puedo desvelar mucho más porque se merece un post exclusivo de presentación que tendréis en Septiembre. Estad atentos porque es lo que muchos de vosotros habéis estado buscando durante tiempo.

¡Quién me iba a decir a mi que me surgiría una oportunidad así vestida para los Sanfermines!

Espero que este artículo, más personal, te haya resultado interesante. Simplemente quería contarte qué he estado haciendo estas semanas de ausencia y agradecerte el haber seguido el blog durante todo este tiempo

¡Gracias también a todos los lectores con los que he coincidido este verano, ha sido fantástico poneros cara!

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Desde que empecé con esto del blog, muchos de vosotros os habéis puesto en contacto conmigo para plantearme diferentes cuestiones relacionadas con el aprendizaje de un instrumento, pero hay una que se ha repetido tanto que he decidido dedicarle un artículo completo: ¿Se puede aprender a tocar un instrumento siendo adulto?

Si buscamos en google encontraremos fácilmente información sobre cuál es la edad idónea para comenzar tocar

(cuando eres niño) el violín o el piano e, incluso yo, le dediqué uno de mis primeros artículos a este tema: ¿A qué edad se puede empezar a tocar la flauta travesera? En cambio, hay mucha menos información dedicada a vosotros, los adultos que estudiáis un instrumento o tenéis pensado hacerlo.

Quizás cuando eras niño no tuviste la oportunidad de poder apuntarte a un conservatorio o simplemente tenías otros intereses, y es que no a todo el mundo le llega la llamada del arte y la música a los 8 años, como establece el plan de estudios oficiales en España. Pero como dice el refranero: nunca es tarde si la dicha es buena ¡ y qué mejor dicha que poder tocar un instrumento y disfrutar haciéndolo!

Cuando eres adulto es cierto que no siempre puedes dedicarle todo el tiempo que te gustaría a practicar con tu instrumento ya que sueles tener muchas responsabilidades extramusicales como la familia o el trabajo. Sin embargo, como estás haciendo algo que te gusta realmente y que has elegido tú estudiar, buscas siempre un hueco (por pequeño que sea) para sacar la flauta de su estuche. Y esto es algo que me encanta, el alumno adulto ve la música como una manera de disfrutar y no una obligación, como puede ocurrir cuando se es niño.

¿Puede un adulto llegar a ser buen músico?

Os resultaría curioso saber la cantidad de alumnos y lectores que me han hecho exactamente esta pregunta. A todos ellos les suelo contestar con otra serie de preguntas para incordiar para demostrar que la calidad de un músico es independiente de su año de nacimiento.

¿Qué es un buen músico?

¿Cuál es el límite de edad para ser buen músico?

¿Es lo mismo un músico que un instrumentista?

Respondamos cada una de ellas:

¿Qué significa ser buen músico?

La mayoría de alumnos responden algo similar a “tocar muy bien”. Por desgracia, se tiene la idea de que tocar bien es sinónimo de no fallar en nada y dar todas las notas en su sitio. Pero seamos sinceros: el que toca, se equivoca.

Seguro que te viene a la cabeza alguno de los grandes intérpretes de tu instrumento y piensas que él o ella jamás se ha equivocado: pues seguro que lo ha hecho y por eso quizás ha llegado tan lejos, porque ha sabido aprender de sus propios errores.

Por tanto, un buen músico ha de reunir varias características como pueden ser la expresividad o el oído, y éstas no desaparecen porque en una actuación fallemos más o menos. Aprende a tener errores, o mejor dicho, acepta que los tendrás. Verás como ese día se liberará una parte de ti y te acercará al buen músico que nunca creíste poder ser.

¿ Cuál es el límite de edad para ser buen músico?

Siempre se ha oído que es recomendable empezar a estudiar música desde pequeño, ya que los niños son como esponjas y aprenden muy rápido. En España, son los 8 años la edad de comenzar el conservatorio, pero en países como Bélgica son los 6 ¿quiere eso decir que los músicos belgas son automáticamente mejores que los españoles por haber empezado antes? La respuesta parece bastante obvia…

Si ser un buen músico depende de muchos aspectos, una cifra en el carnet de identidad no es uno de ellos.

Al igual que hay niños de 10 años que tocan fantásticamente y otro que, con su misma edad, no muestran tanta facilidad, hay adultos que alcanzan un gran nivel, mientras que otros se quedan por el camino.

Respondamos ahora la última pregunta y la que más me gusta plantear:

¿Es lo mismo un músico que un instrumentista?

Todos hemos visto los típicos vídeos de niños tocando con su instrumento una obra dificilísima, a gran velocidad y encima sin fallar una sola nota. Muestran una técnica, en muchos casos, fantástica y lo tocan todo con gran facilidad, pero a mi me dejan indiferentes, más allá de decir (con cierta envidia) ¡menudos dedos tienen!

Estos niños serían un ejemplo de instrumentistas: dominan su instrumento y hacen prácticamente lo que quieren con él, pero a la hora de hacer música no llegan a conmover porque les falta ese “algo” o simplemente, madurez.

El paso de los años te ayuda a entender muchas cosas y ver otras de diferente manera. Por eso, una misma obra no la tocarás igual con 10, 30 o 60 años y esa obra tocada por otra persona sonará muy diferente a la versión que tu hagas.

Siendo dos personas instrumentistas, es su parte de músico la que les diferencia.

Como ves, tú también puedes ser un gran músico y por elevada que sea tu edad, no deberías dejar de lado tus ganas de aprender y, sobre todo, de disfrutar haciendo música. Tocarás mejor o peor, y puede que nunca seas solista internacional, pero algunos de nosotros que empezamos a la edad “perfecta” tampoco lo somos y, sin embargo, disfrutamos plenamente cada día siendo músicos y no lo cambiaríamos por nada.

¿Todavía no ves claro eso de empezar a estudiar un instrumento? 

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La entrada Estudiar música cuando ya no eres un niño se publicó primero en Adolphesax.

Que no se me ofenda nadie, pero creo que los músicos somos, en la mayoría de los casos, unos pesados. Sin embargo, antes de que te enfades y vayas directo a escribir un comentario para ponerme verde, déjame que te explique por qué nuestra pesadez puede resultar positiva y por qué no deberías dejar de ser pesado nunca…

Cuando hablo de pesadez no me refiero a eso ocurre cuando nos juntamos varios músicos (sobre todo si somos del mismo instrumento) y nos convertimos durante un rato en frikis: que si el Sib se hace de una forma u otra, que si el último invento de turno convierte tu instrumento en un torpedo… y así hasta llenar las 24h del día (¡y suerte que no hay más!).

Es ese otro tipo de pesadez la que hace al músico digno de admiración: la perseverancia. ¡No me digáis que no es admirable ver a una persona que, después de haber sido rechazada 100 veces, sigue preparándose unas pruebas con la misma ilusión!

La perseverancia es la capacidad para seguir adelante a pesar de las dificultades, los obstáculos, la frustración, el desánimo, el aburrimiento, o los deseos de rendirse o abandonar.  Por desgracia de esto sabemos mucho los que estamos en ese mundo y aún así, seguimos luchando para seguir en él.

La clave está en insistir hasta el logro. Algunos dicen que a la tercera va la vencida, pero a veces es a la décima o incluso más tarde. ¿Y qué ocurre si el logro no llega nunca? A lo mejor no llega de la forma que esperabas, a lo mejor no es esa gran orquesta la que te contrata, pero esa preparación te permitirá seguramente alcanzar tu objetivo de realizarte plenamente en otra agrupación, aunque sea “menos grande”.

¿Te has planteado si conseguir tu meta depende de ti al 100%? Cuando nos exponemos ante un tribunal no siempre estamos seguros de lo que buscan exactamente, y por muy bien que toquemos, no siempre somos lo que ellos quieren. Como ocurre con las parejas: puedes conocer a la persona más inteligente, guapa y fantástica del mundo, pero le falta ese “algo” para que te guste. Por tanto, sólo podemos ocuparnos de lo que sí depende de nosotros y aceptar que no siempre nos van aceptar como “novio” en la orquesta o conservatorio deseado.

Seguro que has pensado que todo esto suena muy bonito, pero que después de 30 pruebas en las que te han rechazado, estás de la perseverancia hasta el gorro, y que si es tan importante y es la clave del éxito ¿por qué no te cogen a ti, que haces la misma prueba para la misma orquesta cada vez que la convocan? La respuesta es sencilla: porque se valora más el momento puntual en el que tiene lugar la genialidad y no se valora tanto todo el trabajo y esfuerzo que va unido a ese resultado. Es decir, que se lleva el gato al agua el que mejor toque ESE día, no necesariamente el que mejor toque.

Como no sabes cuándo serás tú el que mejor toque en el día D, no dejes de insistir, de perseverar… en definitiva, de ser un pesado.

Si soy pesada con mis alumnos, repitiendo una y otra vez eso de “utiliza más aire” o sus variantes, ¿no voy a serlo con mi carrera? Anímate a contarme tu caso en el que ese “1% de inspiración y 99% de transpiración” dieron sus frutos, cuando ser pesado te ayudó a conseguir lo que querías.

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La entrada La pesadez del músico se publicó primero en Adolphesax.

En la era de la tecnología, aprender a tocar un instrumento está al alcance de todo aquel que tenga una conexión a internet. Podemos encontrar tutoriales de prácticamente cualquier instrumento impartidos por gente con mayor o menor nivel e, incluso, podemos asistir a Masterclasses con grandes músicos a través de diferentes plataformas de pago. Sin embargo, encontrar vídeos sobre cómo enseñar es más complicado.

Seguro que alguna vez habéis podido leer en las redes sociales u otros medios, artículos que hablan de las características de un buen profesor: paciencia, empatía, entusiasmo, comunicación… Obviamente todas estas cualidades son aplicables a un profesor de instrumento, pero dada la naturaleza especial de nuestras clases, en las que un profesor- maestro transmite su saber a un alumno -aprendiz (personalmente, me recuerda mucho al sistema de Gremios de la Edad Media), me gustaría compartir con vosotros algunas de las ideas que he ido introduciendo para dar color a mis clases de Flauta.

1. Eliminé la palabra NO y transformé mi vocabulario

Dicen que son más importantes los hechos que las palabras, pero muchas veces hay palabras que, por muy cortas que sean, tienen un efecto devastador en nosotros y nuestra cabeza.

Resulta realmente frustrante preparar una obra y escuchar “MAL” o “NO” nada más empezar y si encima esas palabras se siguen repitiendo, llega un momento en el estás más preocupado por evitar que tu profesor lo siga diciendo que por tocar a gusto.

Decidí que en mis clases esas palabras no tuvieran cabida, ni dichas por mi ni por los alumnos. Para eso, en lugar de emitir juicios (“eso está mal”), hago observaciones con un lenguaje en positivo y ofrezco soluciones (“puedes mejorar este pasaje si lo trabajas de tal forma”), y pido a los alumnos que busquen siempre algo positivo en ellos y en cómo han tocado la obra.

Puede parecer algo muy obvio, pero todavía escucho cómo a muchos alumnos (sea cual sea su nivel), les dicen que tocan fatal una pieza o que “eso no se hace así”.

2. Dejé tocar al alumno

Es algo evidente que en una clase de instrumento el alumno tiene que tocar, sin embargo, hay veces que esto no ocurre, o sólo un poco. Me explico:

Esta semana has tenido que preparar una obra nueva. Llegas a clase y empiezas a tocarla, pero ya en el segundo compás te paran para corregirte. Corriges ese punto y sigues, pero en el siguiente compás, otra parada. A mi eso me pone nerviosa, ya que no me deja tener una visión global de lo que estoy tocando y hace perder la concentración.

Para evitar ir a trompicones, con su efecto consecuente en la mente del alumno, prefiero dejarle tocar una parte más amplia de la obra o la obra entera si no es muy larga, y ya posteriormente se realizarán las correcciones oportunas, siempre teniendo en cuenta el conjunto de la pieza.

3. Cambié de repertorio

No quiere decir que dejara de tocar el repertorio “oficial” para flauta, pero me animé a preguntar a los alumnos qué obras les gustaría tocar: desde música celta, hasta la banda sonora de Frozen, pasando por El Libro de la Selva. Los alumnos han cambiado completamente su relación con el instrumento y sobre todo, el tiempo de estudio que le dedican.

Antes se limitaban a tocar de arriba a abajo las piezas que proponía el libro de turno, sin prestarle mayor atención, pero ahora que la pieza la han escogido ellos, trabajan siguiendo estrategias para resolver los pasajes más difíciles y poder tocar cuanto antes su pieza favorita a la velocidad establecida.

El repertorio estándar no se puede abandonar, pero dejar que el alumno escoja de vez en cuando sus propias obras, ayuda a que su motivación aumente considerablemente.

4. Rompí la rutina y añadí actividades creativas en cada clase

Generalmente, cada alumno tiene 1 hora de clase de instrumento a la semana ¿Por qué no convertirla en una hora especial? En este principio me basé para decidir a hacer de cada clase algo “nuevo”.

Para conseguirlo, lo primero que hice fue cambiar el orden de trabajo. ¡Menudo rollo hacer siempre lo mismo y encima en el mismo orden! Que si primero sonido y escalas, luego estudios y por último obras… Si a ti como profesor te parece aburrido hacer siempre lo mismo, imagínate al alumno.

Los aspectos que se trabajan pueden seguir siendo los mismos, pero modificar el orden o la forma de hacerlo puede añadir un poco de gracia a las clases: trabajar la técnica mediante dúos, añadir la improvisación a nuestro calentamiento, trabajar el sonido con juegos (a mi me gusta el “tenis” o “los mensajes secretos”), terminar con técnicas contemporáneas…

No olvides que si quieres resultados nuevos, no puedes seguir haciendo siempre lo mismo, y si quieres darle un nuevo aire a tus clases, la rutina es tu peor enemiga.

5. Comencé a escribir un blog

¡Quién me iba a decir a mi cuando empecé a escribir este blog que seriáis tantos lectores! Pues sí, este blog tiene su origen en mis ganas de darle un nuevo enfoque a mis clases de flauta y darle a conocer a los alumnos distintos aspectos de la música y de la flauta. Es decir, nació como una continuación de las clases. Si siempre me han gustado las tecnologías, ¿por qué no añadirlas a mis clases?

Tener este blog ha hecho que mis clases se vuelvan más cercanas, puesto que los alumnos, a través de las experiencias que cuento, me pueden ver como alguien más abierto y comunicativo. Su profesora también ha estado en su misma situación, se ha puesto nerviosa en conciertos o ha tenido épocas en las que no tenía ninguna gana de tocar… pero sin el blog no serían capaces de conocer esas historias que pueden serles de ayuda en su carrera musical. En definitiva, ha hecho que nuestra comunicación mejore y el aprendizaje se enriquezca.

Estas son las 5 ideas que a mi me han servido para hacer de mis clases de Flauta un momento más especial y con un ambiente más positivo. Seguro que tú tienes otras ideas que pueden ayudarnos a seguir mejorando :D. Anímate a compartirlas en un comentario o a través de las redes sociales Twitter y Facebook.

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La entrada 5 ideas que mejoraron mis clases de instrumento se publicó primero en Adolphesax.

Hoy os voy a hablar sobre pulgas. Ya sé que este blog es sobre pedagogía musical y flautística y esperáis encontrar artículos sobre esa temática, pero quería compartir con vosotros un ejemplo de cómo muchas veces actuamos o hemos actuado como pulgas en nuestra vida (musical y no musical).
¿Sabéis como se adiestran las pulgas?
Si algún día atrapáis una, probad a meterla en un frasco de cristal y cerrad la tapa. La pulga, haciendo caso a su naturaleza saltarina, dará brincos para intentar escaparse y se chocará siempre con la tapa del frasco. Llegará un momento (dicen que 3 días) que la pulga dejará de saltar hasta lo más alto del bote, pues se ha cansado de golpearse la cabeza.

Aunque abramos ese frasco y lo dejemos sin tapa el resto del tiempo, la pulga nunca se escapará ni llegará a sobrepasar el límite marcado por la tapa, a pesar de tener las cualidades necesarias para ello. Pero no sólo eso, esa pulga transmitirá esa naturaleza limitadora a toda su descendencia pulguil, e irá pasando de generación en generación. Es así como se domestican las pulgas.
Este ejemplo ha sido también utilizado en un spot de televisión para promocionar la Playstation 2, cuyo lema es “Hay otro lado más allá de los límites”. Porque de esto mismo va este artículo, de los límites que nos autoimponemos o creemos que nos imponen.
Si tenéis curiosidad, aquí podéis ver el spot.

Al ser humano le ocurre lo mismo que a las pulgas, y al ser humano que además es músico, también. Inicialmente, nuestros sueños o ambiciones no tienen límites (por ejemplo, ser flauta solista de la Filarmónica de Berlín), pero a medida que pasa el tiempo, nos vamos golpeando la cabeza contra tapaderas que hacen que nos resignemos a creer que no podemos hacer algo diferente y que olvidemos nuestra capacidad de dar grandes saltos. Es entonces cuando nos volvemos conformistas, dejamos de estudiar, de dar conciertos o de hacer audiciones para orquestas, sin darnos cuenta que, seguramente, el frasco lleve abierto más tiempo del que creemos.

Esas limitaciones que nos vamos encontrando pueden venir del exterior (en forma de comentario por parte de un profesor, de un compañero…), pero sobre todo, vienen de nosotros mismos:

1. Porque consideramos lo que nos dicen los demás como más válido que nuestras propias opiniones.

2. Porque hechos aislados de un concierto o audición (un mi agudo que se nos cae, el fa agudo que se me queda alto…) se convierten en creencias y verdades absolutas (todos los mi agudos se caen, el fa agudo siempre va a estar alto).

Hacer caso a estas limitaciones nos ayudará a ampliar nuestro repertorio de excusas para no intentar algo, pero de poco más servirán.

Espero que este artículo te ayude a reflexionar sobre todas esas veces que has dejado que cierren tu frasco. No olvides coger impulso, dar cabezazos a esas tapas que te irás encontrando y salta muy alto. Si la pulga, con su tamaño, llega hasta un metro de altura,  no te conformes tú con sólo unos centímetros.

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La entrada Cómo dejar de ser una pulga en tu carrera musical se publicó primero en Adolphesax.

Tienen unas jornadas de trabajo, en ocasiones, más largas que las de los adultos. A las horas que pasan en el colegio, le tenemos que sumar las horas de clases en el conservatorio, las de práctica personal en casa, y además, tienen otras obligaciones como hacer los deberes o jugar, que para eso son niños.

Tener un músico en la familia no siempre es fácil, supone un esfuerzo muy grande para los niños, pero también para los padres que pasan muchas horas en el coche, llevándonos a audiciones, recogiéndonos para dejarnos en otro ensayo… pero en casa también es necesaria su implicación para que el alumno aproveche al máximo el tiempo y trabaje su musicalidad, dando lo mejor de sí mismo con el instrumento.

 ¿Por qué tiene que estudiar todos los días?

Ser músico exige un entrenamiento muscular y un trabajo físico (¡no olvidéis la importancia de calentar!). Este entrenamiento de los músculos que empleamos al tocar nuestro instrumento sólo es eficaz si se realiza de forma continua a lo largo de los días. ¿O tú eres de los que se va a hacer el Camino de Santiago sin haber salido a andar nunca antes?

Vuestros niños, a pesar de su corta edad, tienen mucho que hacer después del colegio, pero tocar todos los días su instrumento crea una unión con él, una cita y un hábito como lavarse los dientes después de comer. Al cabo del tiempo, se ha interiorizado tanto la práctica como algo habitual, que ni se plantea si hay que tocar diariamente. En ocasiones, si el niño está muy cansado, es inútil insistir, haremos una sesión de estudio express o pasaremos la sesión al día siguiente.

 ¿Calidad o cantidad?

En muchas ocasiones oímos por los pasillos del conservatorio o escuela de música de turno conversaciones sobre cuántas horas dedica un alumno al estudio del instrumento. Están los alumnos que estudian, o dicen estudiar, 5 horas al día: esas pobres criaturas que si no estudiaran en piloto automático verían que con menos tiempo, pero bien invertido, se logran mejores resultados. También están los 

alumnos que se jactan de no tocar nada en casa, pero siempre les sale todo: o tienen un gran talento, o quizás estudien más de lo que dicen. Y luego, están LOS PADRES: “mi hijo no va a llegar a nada porque sólo le dedica 50 minutos al día y el de la vecina pasa 5 horas tocando”.

Aunque es muy importante dedicar tiempo al instrumento, cada vez más según vayamos progresando, es todavía más importante ha

cer que esas horas o minutos que nuestro hijo dedica a estudiar, sean lo más eficaces posible al estudiar con un objetivo claro y no por sumar minutos a nuestra competición particular.

¿Y el resto de actividades?

Hay tiempo para todo. Lo demás, son excusas.

Se puede ir a inglés, equitación, pintura, ganchillo, música y no morir en el intento. Además de tener tiempo para estudiar instrumento, el colegio y hacer los deberes. Yo lo he hecho. Es todo cuestión de organizarse y saber aprovechar el tiempo. De eso nos habla la Ley de Parkinson de la administración del tiempo.

“El trabajo se expande hasta llenar el tiempo disponible para que se  termine.”                

Es decir, si tengo una semana para completar una tarea, esa tarea se completará en una semana. Sin embargo, si el plazo es de 24 horas, la tarea se hará en ese tiempo, 24 horas. Pasa lo mismo a la hora de tocar en casa: si tengo toda la tarde para practicar, pasaré toda la tarde tocando la flauta. Conseguiré seguramente mejorar algo, pero no tanto como si me hubiera marcado un objetivo claro a conseguir en un tiempo concreto. Con esta gráfica lo veréis mucho más claro:

Si tengo sólo 30 minutos para hacer los deberes, o estudiar ese pasaje difícil, entre la clase de Lenguaje Musical y la de Orquesta, esos minutos me cundirán más porque sé que no hay otro momento para hacerlo.

El estudio del instrumento, como vemos, no queda reducido sólo a las horas de clase, la práctica en casa y el papel de los padres es fundamental para avanzar. Comienza por organizar el tiempo de trabajo en pequeños periodos, con un objetivo claro y haciendo que el niño esté implicado y sea activo. Si el niño ya no es tan niño, y es autónomo a la hora de estudiar su instrumento, no te fíes si le escuchas trabajar las escalas sin interrupción durante media hora, lo más probable es que haya puesto el piloto automático, y en verdad ¡está viendo la tele mientras mueve los dedos!

Artículo Realizado por: Elena Muerza (Flautista y Pedagóga)

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Todos tenemos algún día en el que nos da pereza tocar y en el que encontramos mil cosas más interesantes que hacer en ese momento antes que sacar la flauta de su estuche. Si esto ocurre puntualmente, no le daremos importancia (desconectar de vez en cuando viene bien), pero y ¿si pasan días, semanas o meses y sigo sin ganas de tocar una sola nota? ¿Es algo normal? Sí, es algo completamente normal que le puede ocurrir a todo el mundo, sea cual sea su ámbito laboral: eres víctima de la desmotivación.

La entrada ¿Por qué ya no tengo ganas de tocar? se publicó primero en Adolphesax.

No a todos los profesores les gusta que les graben y eso hay que respetarlo, pero si tienes la oportunidad, no dudes en sacar tu grabadora y volver a reproducir esa clase en otro momento, verás cómo tu percepción cambia completamente y la aprovechas mucho más. A mi me hace ilusión volver a revivir clases de hace varios años, ver el progreso y escuchar de nuevo los consejos de grandes maestros de la flauta.

Artículo Realizado por: Elena Muerza (Flautista y Pedagóga)

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¿Recordáis la Ley de Parkinson de la que os hablé en un artículo anterior llamado Tener un hijo músico? Os explicaba por entonces que, según esta Ley, cuanto más tiempo tenemos para realizar una tarea, más tiempo tardaremos en completarla.

Hoy conoceremos por qué ocurre esto y sobre todo, os presentaré una técnica muy útil para lograr convertir tus sesiones de práctica instrumental en sesiones fructíferas y aprovechadas al 100%.

Si hacemos memoria, ¿cuándo dirías que has estudiado más? Yo tengo muy clara mi respuesta: cuando tenía una audición, concierto o recital de flauta importante con unafecha fijada próxima. Puede parecer una respuesta obvia, pero lo importante no es en qué consiste mi actuación, sino cuándo ésta tendrá lugar. Si la audición es dentro de varios meses, me miraré las obras más tranquilamente y cuando se vaya aproximando la fecha límite haré un esfuerzo extra, dedicándole muchas más horas de lo normal, para intentar tenerlo todo más o menos bien preparado. Es una pérdida repentina de tiempo y energía innecesaria, ¿no crees? Pero tranquilo, que todos lo hemos hecho alguna vez…

Las razones por las que esto ocurre son varias:

• El plazo para preparar el concierto es demasiado extenso.
• No es una tarea urgente en el momento de comenzarla (tengo muchos meses por delante para prepararme, o eso creo)
• Es una tarea importante, pero como tengo tiempo de sobra, no se ha priorizado.
• No me he fijado plazos personales para conseguir objetivos concretos.

Si la Ley de Parkinson nos dice que cuanto más tiempo tenemos, más lo gastamos, centrémonos entonces en marcarnos plazos más cortos para conseguir más resultados y mejores. Estudiar se convertiría en una actividad más motivante y el desafío que nos produce el no llegar a tiempo a completar la tarea, nos animará a estudiar de forma más enfocada y sin distracciones (nada de Facebook, Twitter o móvil por un momento).

¿Cómo de cortos serán estos plazos? ¡de sólo 25 minutos!

Técnica Pomodoro

La Técnica Pomodoro es un sencillo método para gestionar el tiempo eficazmente y mejorar la productividad. Toma su nombre del reloj con forma de tomate (pomodoro en italiano) que empleaba su creador, Francesco Cirillo, para medir los periodos de tiempo.

Cada intervalo o pomodoro dura 25 minutos y al acabarse le siguen 5 minutos de descanso. Después del cuarto pomodoro, el descanso es de 15 minutos. El tener el tiempo tan planificado, nos ayuda a eliminar las interrupciones necesarias y las distracciones que podamos tener se posponen hasta que termine el pomodoro.

Es muy importante fijarse un objetivo antes de empezar cada pomodoro y trabajar durante esos 25 minutos concentrados en conseguirlo. Es evidente que algunos de los objetivos no los conseguiremos en un solo pomodoro, pero el hecho de tener tiempos concretos marcados y los descansos también fijados hace que la concentración aumente y se mantenga por más tiempo.

Obviamente, esta técnica resulta más eficaz si se registran los pomodoros (pomodori)diariamente y se ve el progreso a largo plazo. Para eso, yo utilizo la aplicación Pomodoro conjuntamente con Music Journal (en su versión gratuita) y así puedo registrar el tiempo que dedico a estudiar cada día y el tiempo que llevo sin tocar una obra o pasaje concreto.

Aquí podéis encontrar algunas apps para trabajar esta técnica y aprovechar vuestro tiempo al máximo ¡desde ya mismo!

Para IOS

   Para Android 

Aplicación web: Moosti  y Marinaratimer 

Aunque es muy útil para organizar el estudio de tu instrumento, no olvides que la técnica Pomodoro puede ser empleada también para hacer cualquier otra tarea y mejorar tu productividad en general.

¿Te animas a probarla? Cuéntame en un comentario qué te ha parecido esta técnica y si te resulta útil para estudiar.

Artículo Realizado por: Elena Muerza (Flautista y Pedagóga)

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A lo largo de mis años como estudiante de música o, posteriormente, como profesional de este mundillo, muchos compañeros, amigos o profesores me han ido recomendando libros que me podrían resultar de ayuda para mejorar mi interpretación, técnica o simplemente para satisfacer mi curiosidad. Tras haber leído muchos de estas recomendaciones, me di cuenta que su efecto en mi no había sido el esperado, más allá de conocer mejor la biografía del compositor o músico de turno y entender a otro nivel la obra que estaba tocando en ese momento, y su contexto.

Quería libros que me hicieran pensar y entender un poco mejor cómo funciona nuestra mente, y que me ayudaran, desde otro ángulo, a la hora de tocar. Por eso, he querido compartir contigo esta lista de 7 libros que recomendaría a un músico. Son libros muy entretenidos que, aunque parezca mentira, no están escritos todos por músicos ni mencionan la música en sus páginas, pero te pueden ser de gran ayuda para entenderte y mejorar en el aspecto mental de la interpretación.

1. ZEN EN EL ARTE DEL TIRO CON ARCO.

Escrito por Eugen Herrigel, fue publicado por primera vez en 1953. Es la historia de un filósofo alemán que pasó varios años en Tokio como discípulo de uno de los maestros más reputados de Kyudo, literalmente “el camino del arco”. Su filosofía es muy interesante para los músicos, y proporciona grandes ideas que se aplican perfectamente a la hora de estudiar música o en las actuaciones. Es un libro corto y fácil de leer.

2. A SOPRANO ON HER HEAD.

Este libro de Eloise Ristard ofrece diferentes formas de enfrentarse a la ansiedad, pánico escénico y otros obstáculos que nos impiden disfrutar y tocar libremente sobre un escenario. Muy recomendable para afrontar la actuación en público con una actitud positiva y sana.

3. EL JUEGO INTERIOR DEL TENIS.

Aunque este libro, como indica su título, está basado en el tenis, sus principios pueden aplicarse a cualquier tipo de

actividad. Nos cuenta cómo muchas veces nosotros mismos nos ponemos obstáculos, nos limitamos y somos nuestro peor enemigo. Propone una nueva forma de entender ese juego interior, dentro de la mente del tenista en este caso, para superar estos miedos autoimpuestos y mostrar todo nuestro potencial.

Su autor, Timothy Gallwey, ha escrito varios libros destinados a mejorar nuestro juego interior y lograr la excelencia profesional en diferentes ámbitos: “El juego interior del golf”, “El juego interior del trabajo”… Pero sin duda, con el que más identificados nos podemos sentir es con el libro que escribió con la colaboración del contrabajista Barry Green: “The inner game of Music”.

Todavía no he tenido la oportunidad de leer entero este libro del “Juego interior de la Música” ya que no lo encuentro en ninguna tienda ni biblioteca, pero si queréis leer un resumen en español hecho por U. Urrecho, lo podéis encontrar aquí. Si el libro completo se parece a “El Juego Interior del Tenis” es una lectura 100% recomendada.

4. CÓMO SER FELIZ SI ERES MÚSICO O TIENES UNO CERCA.

Descubrí este libro completamente por casualidad, buscando el libro anterior en la biblioteca. Puedo decir que ha sido un GRAN descubrimiento.

Su autor, Guillermo Dalia, nos habla de cómo es el músico y cómo se relaciona consigo mismo y su entorno. De una forma entretenida y constructiva, presenta muchos comportamientos que vemos o tenemos a diario y que resultan tóxicos para nosotros mismos o las personas que están a nuestro alrededor, analizando las relaciones que establecemos con nuestros compañeros músicos, con la pareja, o cómo es la relación profesor-alumno y las dependencias psicológicas que se producen entre ambos.

Propone también una serie de actitudes para evitar esos pensamientos negativos que nos restan felicidad y no nos dejan disfrutar de nuestra profesión y del resto de aspectos de nuestra que son igual de importantes.

5. LAS CLAVES DEL TALENTO.

“Las claves del talento” parte de un principio muy interesante: el talento no es algo innato ni responde a las leyes de azar, por lo tanto, puede desarrollarse.

Está basado en experiencias reales del propio autor, Dan Coyle, que va descubriendo cómo cada empresa o escuela por la que pasa, va influyendo en el desarrollo del talento de los trabajadores o alumnos. ¿ Qué tienen en común una escuela de béisbol de la República Dominicana, con otra de fútbol en Brasil o con una escuela de tenis en Rusia? Que todas han formado campeones y el factor común a estos tres ejemplos que propone es el tipo de práctica que realizan: la práctica profunda.

Nos habla de la importancia del interés, de la relación entre la mielina y el talento, y de cuáles son las claves para desarrollarlo.

Puedes leer un completo resumen del libro hecho Rafa A. Guerrero aquí.

6. EL ARTE DE NO AMARGARSE LA VIDA.

Este es uno de esos libros que no habla de música, ni siquiera habla de trabajo, pero sus ideas y la forma que propone de ver aquello que nos ocurre, influye de manera increíble en la actitud que tenemos ante ella, que tanto en el estudio personal como en el trabajo pueden salir beneficiados de sus enseñanzas.

Si Guillermo Dalia nos explicaba cómo ser músicos felices, el psicólogo Rafael Santandreu nos da las claves para no amargarnos como personas, músicos, animales o seres de luz. Expone los casos de varios de sus pacientes, angustiados por complejos o adversidades y cómo gracias a una serie de consejos y actitudes que todos podemos aplicar en esos malos momentos, la forma de ver el vaso, que antes estaba medio vacío, cambia completamente.

Nos habla del diálogo interno y cómo transformar la filosofía personal en todos los ámbitos de la vida, más allá del deporte o de la música, como ocurre en los libros anteriores de la lista.

7. THE PERFECT WRONG NOTE.

William Westney, su autor, cuestiona los métodos tradicionales de enseñanza musical en los que el error es algo malo y que se debe evitar a toda costa. Afirma que la forma más natural de aprender es, precisamente, a través de los errores que cometemos, y sólo cuando veamos el error como algo normal dentro del proceso de aprendizaje de nuestro instrumento, podremos sentirnos libre tocando y disfrutar plenamente de ello, de la magia de la música.

Totalmente inspirador, este libro te hace replantearte qué has estado estudiando tantos años y sobre todo, cómo lo has estado estudiando, mediante ejemplos del autor durante sus años como pianista y profesor de piano.

Después de leer el libro, tu relación con esas notas falsas que todos tocamos alguna vez, cambiará para siempre y de forma positiva.

Artículo Realizado por: Elena Muerza (Flautista y Pedagóga)

Blog: https://elenamuerza.wordpress.com/2014/12/02/7-libros-que-recomendaria-a-un-musico/

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A lo largo de mis años como estudiante de música o, posteriormente, como profesional de este mundillo, muchos compañeros, amigos o profesores me han ido recomendando libros que me podrían resultar de ayuda para mejorar mi interpretación, técnica o simplemente para satisfacer mi curiosidad. Tras haber leído muchos de estas recomendaciones, me di cuenta que su efecto en mi no había sido el esperado, más allá de conocer mejor la biografía del compositor o músico de turno y entender a otro nivel la obra que estaba tocando en ese momento, y su contexto.

Quería libros que me hicieran pensar y entender un poco mejor cómo funciona nuestra mente, y que me ayudaran, desde otro ángulo, a la hora de tocar. Por eso, he querido compartir contigo esta lista de 7 libros que recomendaría a un músico. Son libros muy entretenidos que, aunque parezca mentira, no están escritos todos por músicos ni mencionan la música en sus páginas, pero te pueden ser de gran ayuda para entenderte y mejorar en el aspecto mental de la interpretación.

1. ZEN EN EL ARTE DEL TIRO CON ARCO.

Escrito por Eugen Herrigel, fue publicado por primera vez en 1953. Es la historia de un filósofo alemán que pasó varios años en Tokio como discípulo de uno de los maestros más reputados de Kyudo, literalmente “el camino del arco”. Su filosofía es muy interesante para los músicos, y proporciona grandes ideas que se aplican perfectamente a la hora de estudiar música o en las actuaciones. Es un libro corto y fácil de leer.

2. A SOPRANO ON HER HEAD.

Este libro de Eloise Ristard ofrece diferentes formas de enfrentarse a la ansiedad, pánico escénico y otros obstáculos que nos impiden disfrutar y tocar libremente sobre un escenario. Muy recomendable para afrontar la actuación en público con una actitud positiva y sana.

3. EL JUEGO INTERIOR DEL TENIS.

Aunque este libro, como indica su título, está basado en el tenis, sus principios pueden aplicarse a cualquier tipo de

actividad. Nos cuenta cómo muchas veces nosotros mismos nos ponemos obstáculos, nos limitamos y somos nuestro peor enemigo. Propone una nueva forma de entender ese juego interior, dentro de la mente del tenista en este caso, para superar estos miedos autoimpuestos y mostrar todo nuestro potencial.

Su autor, Timothy Gallwey, ha escrito varios libros destinados a mejorar nuestro juego interior y lograr la excelencia profesional en diferentes ámbitos: “El juego interior del golf”, “El juego interior del trabajo”… Pero sin duda, con el que más identificados nos podemos sentir es con el libro que escribió con la colaboración del contrabajista Barry Green: “The inner game of Music”.

Todavía no he tenido la oportunidad de leer entero este libro del “Juego interior de la Música” ya que no lo encuentro en ninguna tienda ni biblioteca, pero si queréis leer un resumen en español hecho por U. Urrecho, lo podéis encontrar aquí. Si el libro completo se parece a “El Juego Interior del Tenis” es una lectura 100% recomendada.

4. CÓMO SER FELIZ SI ERES MÚSICO O TIENES UNO CERCA.

Descubrí este libro completamente por casualidad, buscando el libro anterior en la biblioteca. Puedo decir que ha sido un GRAN descubrimiento.

Su autor, Guillermo Dalia, nos habla de cómo es el músico y cómo se relaciona consigo mismo y su entorno. De una forma entretenida y constructiva, presenta muchos comportamientos que vemos o tenemos a diario y que resultan tóxicos para nosotros mismos o las personas que están a nuestro alrededor, analizando las relaciones que establecemos con nuestros compañeros músicos, con la pareja, o cómo es la relación profesor-alumno y las dependencias psicológicas que se producen entre ambos.

Propone también una serie de actitudes para evitar esos pensamientos negativos que nos restan felicidad y no nos dejan disfrutar de nuestra profesión y del resto de aspectos de nuestra que son igual de importantes.

5. LAS CLAVES DEL TALENTO.

“Las claves del talento” parte de un principio muy interesante: el talento no es algo innato ni responde a las leyes de azar, por lo tanto, puede desarrollarse.

Está basado en experiencias reales del propio autor, Dan Coyle, que va descubriendo cómo cada empresa o escuela por la que pasa, va influyendo en el desarrollo del talento de los trabajadores o alumnos. ¿ Qué tienen en común una escuela de béisbol de la República Dominicana, con otra de fútbol en Brasil o con una escuela de tenis en Rusia? Que todas han formado campeones y el factor común a estos tres ejemplos que propone es el tipo de práctica que realizan: la práctica profunda.

Nos habla de la importancia del interés, de la relación entre la mielina y el talento, y de cuáles son las claves para desarrollarlo.

Puedes leer un completo resumen del libro hecho Rafa A. Guerrero aquí.

6. EL ARTE DE NO AMARGARSE LA VIDA.

Este es uno de esos libros que no habla de música, ni siquiera habla de trabajo, pero sus ideas y la forma que propone de ver aquello que nos ocurre, influye de manera increíble en la actitud que tenemos ante ella, que tanto en el estudio personal como en el trabajo pueden salir beneficiados de sus enseñanzas.

Si Guillermo Dalia nos explicaba cómo ser músicos felices, el psicólogo Rafael Santandreu nos da las claves para no amargarnos como personas, músicos, animales o seres de luz. Expone los casos de varios de sus pacientes, angustiados por complejos o adversidades y cómo gracias a una serie de consejos y actitudes que todos podemos aplicar en esos malos momentos, la forma de ver el vaso, que antes estaba medio vacío, cambia completamente.

Nos habla del diálogo interno y cómo transformar la filosofía personal en todos los ámbitos de la vida, más allá del deporte o de la música, como ocurre en los libros anteriores de la lista.

7. THE PERFECT WRONG NOTE.

William Westney, su autor, cuestiona los métodos tradicionales de enseñanza musical en los que el error es algo malo y que se debe evitar a toda costa. Afirma que la forma más natural de aprender es, precisamente, a través de los errores que cometemos, y sólo cuando veamos el error como algo normal dentro del proceso de aprendizaje de nuestro instrumento, podremos sentirnos libre tocando y disfrutar plenamente de ello, de la magia de la música.

Totalmente inspirador, este libro te hace replantearte qué has estado estudiando tantos años y sobre todo, cómo lo has estado estudiando, mediante ejemplos del autor durante sus años como pianista y profesor de piano.

Después de leer el libro, tu relación con esas notas falsas que todos tocamos alguna vez, cambiará para siempre y de forma positiva.

Artículo Realizado por: Elena Muerza (Flautista y Pedagóga)

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